La Venecia de Ancarani se llama Atlantide

Fotografia: Chiara Cordeschi

Por Oscar Sánchez & Chiara Cordeschi

“Un lugar donde el universo es la laguna y las islas son los planetas"

Tras su debut en la ciudad protagonista de la película, el largometraje de Yuri Ancarani, Atlantide (2021), llega a la capital austriaca en la 59 edición del Viennale - Festival Internacional de Cine de Viena-. El artista italiano, figura híbrida y polifacética del panorama artístico y cinematográfico internacional, solo conserva la forma de trabajar desde el género documental. De hecho, Atlantis es mucho más. Es sobre todo una investigación visionaria y poética que compone un retrato visceral de los adolescentes de hoy.

Entrevista:

¿Por qué la película se llama Atlantide?

Y. A: El título nació inmediatamente, al inicio del proyecto. Me gusta porque es misterioso y genera una asociación entre la Atlántida como ciudad hundida y Venecia como ciudad hundida. Pero Venecia no es la única que corre peligro, en mi opinión. Habría más razones, pero prefiero dejar los otros niveles de interpretación al espectador.

¿Qué tipo de relación sientes entre tu generación y la de Daniele, el protagonista de la película?

Y. A: No hay diferencia entre él y yo. Esta película trata sobre los traumas de la adolescencia que todos hemos tenido y que son más o menos iguales sin importar cuánto tiempo vivamos. Cuando nos hacemos adultos intentamos olvidar, pero son precisamente esos traumas los que nos hacen crecer.

¿Ves el arte como una forma de sublimación y resolución de los fantasmas internos de uno?

Y. A: Bueno, el arte es sin duda una forma de cuidado colectivo. La sociedad impone reglas y el artista tiene el deber de mostrar nuevos puntos de vista y nuevas posibilidades.

¿Consideras que la generación Atlantide se caracteriza por el hedonismo destructivo como un escape de la realidad?

Y. A: Para ellos, el hedonismo es como un estilo de vida, y para nosotros debería ser sintomático de un problema. Hay un momento importante en la película: cuando Daniele dice que no debes creer en los sueños. ¿Daniele realmente pensó esta frase o la escuchó de un adulto? ¿Por qué siempre pensamos que no hay responsabilidad de nuestra parte? Si los adolescentes no tienen una idea del futuro, no es su culpa.

¿Puedes contarnos sobre tu primer viaje en la batea?

Y. A: La experiencia fue la misma que la de Bianka, la chica rubia de la película. Cuando la llevé al bote pequeño y encendí la cámara, ella no sabía nada de lo que iba a pasar. Su alegría y entusiasmo en la película son absolutamente auténticos. También sentí una emoción similar, ¡solo que mi disfrute fue reemplazado por la preocupación de tener que disparar tiros estables en los barcos!

¿Cambió tu relación con Venecia después de Atlantide?

Y.A: Creo que es una de esas ciudades que todos tenemos la sensación de que conocemos, y que al final no conoce a nadie. Es un lugar inaccesible en muchos aspectos. Gracias a la película, hice mío ese estilo de vida. Ahora cuando voy a Venecia también voy de una isla a otra, con los botes pequeños. Para mí, Venecia es un mundo en sí mismo; el universo es la laguna y las islas son los planetas.

¿Cuál es la metáfora visual que resume la película?

Y. A: Es el agua. Comienza cuando Daniele dice que no debes creer en los sueños y en la siguiente toma el grifo de la fuente comienza a gotear, gota a gota. Durante la película, el agua sube inexorablemente, a la par del sufrimiento de Daniele. El agua es incontrolable.

En la presentación de la película en la Viennale, dijiste que creciste en una familia matriarcal. ¿Cómo fue tu adolescencia?

Y. A: Esta también es una película autobiográfica, viví una situación muy similar a la de Daniele. Crecí en un entorno donde había un estímulo hacia mis aptitudes artísticas, pero al mismo tiempo no tenía defensas frente a una sociedad que cría varones con miras a ganar. Es una idea que no tuve y que todavía no me pertenece.

Hay una fuerte relación en la película entre los niños y los dispositivos que usan. ¿Cómo ves esta relación?

Y. A: Veo que vivimos en un mundo masculino, hiper-tecnológico y enfermo.

En tu trabajo, a menudo investigas situaciones que bordean la ambigüedad visible y perceptiva. ¿Qué relación tienes con las imágenes?

Y. A: Me interesan las imágenes que hablan, las sublimes, contradictorias, contrarias. Son difíciles de alcanzar, pero siempre trato de acercarme lo más posible a ellos. Un ejemplo en Atlantis es la escena de la fiesta con los grandes cruceros de fondo; o cuando Daniele mira la superficie del agua mezclada con el aceite del motor. Todo parece un cuadro allí.

La exposición que hiciste en Basilea en 2018 se tituló Esculturas. ¿Qué es una escultura fílmica para ti?

Y. A: Hoy pasamos mucho tiempo frente a dispositivos que parecen bidimensionales, pero que nos absorben totalmente en su interior. Para nuestros cuerpos es una experiencia tridimensional porque es estar en otro mundo. En este sentido, lo que vemos como imagen es una escultura. Cuando un querido pintor amigo mío vio Atlantis me dijo que “esta es una película sobre el rostro de Daniele”; una escultura, de hecho.

¿Podríamos considerar toda la Atlántida como una escultura fluida y esquiva?

Y. A: Creo que ésta es una interpretación, uno de los posibles niveles de lectura de la película y eso me hace feliz.

¿Qué relación tienes con los espacios en los que se muestran tus obras?

Y. A: Me interesa la relación entre imagen y espectador en un sentido inmersivo. Creo que el espectador no tiene por qué ser físicamente más grande que la imagen. El museo está bien, el cine está bien, pero en una televisión esta relación cambia radicalmente.

Pero, ¿existe una diferencia real entre el uso del cine y el museo?

Y. A: Son dos mundos diferentes, ambos muy fascinantes. El cine se caracteriza por una mayor velocidad de realización, mientras que el mundo de los museos necesita tiempo, es más reflexivo. También creo que el cine de hoy es muy parecido a una industria que genera productos desechables, que no es el caso del museo.

¿Cómo te orientas entre los roles de director, director de fotografía y guionista de la película?

Y. A: A menudo me llaman incompetente. Me critican no por la calidad del trabajo, sino por las decisiones que tomo. Soy videasta de formación, para una figura como esta saber hacer todo es normal. Siempre me ha apasionado el cine cyber-punk japonés y esos directores, incluso por un problema de costes, lo hacían todo ellos mismos. Por ejemplo, Tsukamoto, en su película, Tetsuo fue director, director de fotografía, editor y autor de la música. Siempre me ha parecido increíble y para mí es un referente.

¿Cómo y por qué la música adquiere un valor visual en tu trabajo?

Y. A: Atlantis no se compone de diálogos, sino de imágenes. Para cada uno de nosotros, la música a los veinte años es fundamental, será la banda sonora de nuestra vida futura. En esta película no podía ignorar la música que escuchan los niños, estaba ahí.

¿Cómo te relacionas con la música trap? ¿Cambió su relación con él durante la película?

Y. A: Trap me dio acceso al mundo de la juventud. Muchas veces no hay comunicación entre adultos y adolescentes y los primeros consideran la música de los segundos como basura, olvidándose de que a su vez han sufrido lo mismo. Cuando comencé a entender la trampa, me di cuenta de que podía ser interesante; sin embargo, habla de este momento histórico. Allí también comencé a apreciar el trabajo de Sick Luke, con quien nació la colaboración para Atlantis.

¿Qué tan fácil o difícil fue la financiación de la película?

Y. A: Bueno, fue difícil al principio. El trabajo se construyó con el descubrimiento de la vida de estos tipos, por lo que no pude escribir la película antes. Sin embargo, tenía una gran confianza en el grupo de productores, una familia de naciones que incluye a Italia, Francia, Rusia, Estados Unidos y México.

¿Cómo es tu relación con Latinoamérica?

Y. A: Atlantis también se hizo gracias al aporte de Alebrije Producciones, quien también contribuyó a una película que me encantó mucho, “Amores Perros”. Viajé a Oaxaca, una zona increíble donde se filmó “Y tu Mamá También”. Digamos que he visitado muchos lugares atípicos y poco turísticos del país, como la Barranca del Cobre. Pero lo que más me llamó la atención de México es la extrema vitalidad del pueblo y una energía palpable. Tenía la sensación de que era un lugar lleno de oportunidades e intercambios constantes. Creo que los mexicanos sufren un poco de xenofilia, como los italianos. Son muy hospitalarios con los extranjeros y quizá no sean muy cuidadosos con los miembros locales.

¿Existe una plataforma o un lugar, en Italia o en el extranjero, donde tus obras estén siempre disponibles?

Y. A: No me gusta la forma desechable de usar Internet, falta por completo esa relación dimensional entre el espectador y la imagen de la que estaba hablando antes. Sin embargo, varias de mis obras se expondrán en Milán en 2023.

De hecho, tu propio personal en el PAC está programado. ¿Puedes decirnos algo?

Y. A: Será un gran proyecto que involucrará dos espacios y dos ciudades italianas que son muy importantes para mí. El PAC de Milán y el MAMbo de Bolonia. También habrá dos comisarios, Diego Sileo y Lorenzo Balbi. El PAC cuenta con espacios pensados ​​para la escultura tradicional; este será un gran desafío. Pero lo que presentaré no cambiará. No me gusta manipular mi trabajo en relación con el espacio. Para mí, el trabajo es algo único.

¿Qué opinas del artista que representará al Pabellón de Italia en la Bienal de Venecia?

Y. A: Llevo un tiempo esperando que me llamen. ¡Te respondo así! (risas)

¿A qué edad sentiste el deseo de hacer que el arte fuera fuerte y claro?

Y. A: Yo tenía diez años y mi madre era enfermera. Cuando tenía que hacer los análisis de sangre, cómodamente me tomaba la muestra de sangre en casa, solo un día se le escapó la vena y cuando me levanté me desmayé. Esa vez se sintió muy culpable y me dijo "hoy no vamos a la escuela, pero si quieres te compro una cámara". Le respondí "Quiero la cámara". A partir de ahí empezó todo.

¿Qué estudiaste y cómo llegaste a hacer cine?

Y. A: Llegué al mundo del cine por casualidad, no era mi deseo ni mi objetivo. De hecho, parecía inalcanzable. Estudié en la Academia de Bellas Artes, pero soy una persona autodidacta que me ha robado mucha información de mis propias experiencias. Antes de eso, la primera cámara de video de cuando tenía diez años, una Sony Handycam, fue fundamental. El que uso ahora, que también es el que le disparé a Atlantis, es del mismo tamaño que cuando era niño. A la edad de diez años solía reproducir casetes de Video 8, ahora paso a 8K.

Eres profesor en NABA en Milán, por lo que tus alumnos pertenecen más o menos a la generación de Atlantis. ¿Cómo vives esta relación?

Y. A: Con toda mi investigación sobre temas de juventud, siento mucha empatía por ellos. Recientemente hicimos el curso en línea y fue una experiencia hermosa y educativa. Todo lo nuevo no me asusta, al contrario, me emociona. Estoy muy satisfecho con ellos, también hemos producido una película de 1h y media, llamada Covid Movies, cada uno desde casa hasta su propia habitación.

¿Qué consejo le darías a un joven artista emergente?

Y. A: En esto, a lo mejor soy viejo: todo e inmediatamente no existe, hay que ponerse al día.

¿Tres artistas, directores, músicos o películas que te cambiaron?

Y. A: Ciertamente Tsukamoto, como dije. Antonioni y, por supuesto, la música de cuando tenía veinte años: ambient techno, la banda sonora de mi vida que siempre sigo escuchando.

¿Qué significa para ti hacer arte?

Y. A: No es un trabajo, no es un negocio y no siempre es agradable. Es una vocación.

Fotografia: Chiara Cordeschi